Die offene Forschungsfrage entstand im Kontext meiner wissenschaftlichen Dissertation, die der Frage nachgeht, wie sich die Denkfiguren des sichtbaren Klangs und des hörbaren Körpers im Spannungsfeld zwischen Taktilität und Oralität im Werk Isabel Mundrys (vgl. ihre Ensemblekomposition Noli me tangere, 2020) diskursanalytisch, musikanalytisch und musikästhetisch beschreiben lassen. Gerade weil das Sprechen über Musik in Bezug auf diese Denkfiguren an Grenzen des Sagbaren stößt, setzt das AR-Pilotprojekt an dieser Schwelle an. Es versucht (außerhalb des engeren Rahmens meiner Dissertation), immanente Körperlichkeit im Werk Mundrys und weiterer Komponist:innen nicht nur theoretisch zu reflektieren, sondern künstlerisch forschend zu erproben und zu verankern.

Während das Zusammenwirken visueller und auditiver Elemente in Aufführungen intermedial gestalteter Kompositionen als untrennbare Gegenstände musikalischer Analyse aufgefasst wird, die »mediale Interaktionen, Interferenzen, Phänomene der Überschreitung von Mediengrenzen, Wechselbeziehungen und Schnittstellen zwischen distinkten Medien sowie deren Differenzen« aufzeigen (Stefan Drees, Körper Medien Musik. […], 2011, S. 43) wurden auch im Bereich des klassischen überwiegend non-intermedialen Konzertbetriebs analytische Versuche unternommen, die Aufmerksamkeit auf das Sinnliche zu lenken, v.a. auf die Grenzen zwischen Hören und Sehen beim Hören in Bezug auf Körperlichkeit.

Diese Ansätze gehen methodisch einerseits auf Analysen des Repertoires des 19. Jahrhunderts zurück, bspw. auf Robert Hattens Untersuchung kommunikativer Aspekte musikalischer Gestik (Interpreting Musical Gestures […], 2004). Andererseits entwickeln sie neuere Methoden der Artistic Research, wie Sigrun Heinzelmanns „Embodied Music Analysis“ (EMA) am Beispiel des embodied voice leading bei Frédéric Chopin (Embodied Music Analysis […], 2023) oder Guy Livingstons Untersuchung von performing musical silence mithilfe von audible, visual und notational markers (Performing Musical Silence […], 2025).

Andererseits betreffen sie die Musik nach 1945, in der trotz der von Komponist:innen und Theoretiker:innen erhofften Abwesenheit von Körperlichkeit in der frühen Serialität manche wahrnehmungsorientierte Ansätze gerade mit der Unvertilgbarkeit des Körpers argumentieren, u.a. Martin Zencks Boulez-Analysen zur Berührung oder Helmut Lachenmanns befreite Wahrnehmung, die klangsinnliche und körperlich-performative Aspekte mobilisiert. Im Zuge dessen entwickelt sich eine andere Sicht auf die Intermedialität. In Gestik, Mimik, Haptik und im ereignishaften Spiel der Verkörperungen erscheint sie als eine Konfrontation mit einer posthermeneutischen Intermedialität, die »ihre eigenen Interferenzen, Gegenläufigkeiten und ›Chiasmen‹ erzeugt« (Dieter Mersch, Posthermeneutik, 2010, S. 276).

Darauf kann die indirekte Aufmerksamkeit der Analyse gerichtet werden auf das, was sich einem begrifflich-diskursiven Verstehen entzieht im Sinne des posthermeneutischen Denkens Merschs, in dessen Rahmen die Denkfigur des Dazwischen entwickelt wird: dasjenige, was nicht Zeichen ist, aber Zeichenprozesse ermöglicht, was nicht Sinn ist, aber Sinn stört und mitprägt. Solche posthermeneutischen Settings als Grenzerfahrungen stehen an den Rändern von Philosophie, Musikanalyse und Kunst. Als kritischer Punkt gilt dabei, wie die Grenzen zwischen Hermeneutik und Posthermeneutik analytisch fruchtbar gemacht werden können. In Frage stehen hauptsächlich die Herausforderungen des Vortragsformats für eine posthermeneutische Analyse hervor, wenn Cosima Linke (in: Joe Reinke, Kathrin Kirsch (Hg.), SINN / SINNE 01, 2025) bemerkt: »Womöglich ist das Medium des Vortrages nicht das richtige, um des Gegenstandes [der Kunst] habhaft zu werden.« Mit diesem kritischen Punkt setzt sich das AR-Pilotprojekt produktiv auseinander, indem es ein von Artistic Research geprägtes Vortragsformat entwickelt, das die Möglichkeiten und Grenzen posthermeneutischer Analyse im Vollzug der Performance selbst erprobt.